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然而，有更多的有志的音乐家也经历过所谓“不断提升的期待值变革，”
成为我们时代的标志。
这些不切实际的期待值，会导致年轻艺术家们过着一种非理性的埋头苦读的生活。
从业前他们经历的正面和负面的生活，使他们草率的做出决定，把自己的艺术生涯定位在远不及个人和专业潜力的水平上。
问题出在对表演艺术家的需求自相矛盾上。
一方面，他们要求接受高水平的音乐教育，要求经常有演出的机会；而另一方面，他们要求教育经历开阔他们的国际视野，使他们成年时过上充实满意的个人和职业生活。
而这一矛盾的加剧正是由于所有音乐家从小就参与的活动：练琴，虽然练琴有各种积极效果，但也会打乱学生个人成长和接受教育的优先选择。
另外，如果练琴姿势不正确，或练琴过度，还会造成长期的生理伤害。
把这一话题脱离音乐领域来看一下，我想起了一位美国职业篮球联赛名将的评论，在谈到波士顿凯尔特人（Celtics）篮球队的前锋拉里·伯德（LarryBird）时，他说：“伯德非常幸运，他越练球会越幸运。”
这个练习话题的推理被很多真诚的学音乐的学生们采纳了。
从练琴中产生更多的练琴。
他们基于心理安慰的观点认为，如果整天练琴，在上台演出时，就不会出现技术失误。
年轻的音乐家们，常把技术准确性作为表演的最终目标。
就像一个完美的体操动作和滑冰动作。
可悲的是，对技术的质朴追求结束了不少音乐家的职业生涯。
这种过度练琴综合症，已经造成不少生理弊端，因为一些音乐家不相信自己的生理和身体有局限性。
他们对自己达到技巧完美和艺术理解的新高度，抱以极大希望。
通过音乐学院现存的自然竞争环境谁来担任《春之祭》的首席巴松管演奏家？谁在协奏曲比赛中获奖？在学生眼里，心理和生理压力加大，赌注也加码。
可惜，这一过程对很多年轻人都会造成毁灭性的结果。
无论是独奏首演，或在学校乐团里以首席单簧管独奏三秒钟。
每一次表演机会，都是一种人为的可怕的输赢情况。
如果不是完美的成功，在年轻音乐家眼里，也就是在交响乐团演出独奏时，技巧完美；大获音乐评论家的赞美；获得观众的敬仰和热爱；受到指挥、乐团同事的爱戴，则就认为自己的世界天塌地陷了。
这样令人困扰的例子还不少。
他们对失败的看法和现实情况不相符。
正是这个教育艺术体制下的螺旋式竞争，聘请私人家教的压力和个人的误解造成的损失最大。
年轻音乐家经常变得沮丧，记不得自己选择音乐行业的真正原因；也就是把自己的全部奉献给热衷的艺术。
作为以培养未来表演艺术家为宗旨的机构领军者，我认为打造一个提供高质量专业水平的表演培训艺术和教育环境至关重要。
在这个环境中，不仅要培养表演艺术家而且教导他们如何做完完全全的人。
我们必须牢记教授音乐是个古老而经得起时间考验的过程。
大师在很长时间里把自己艺术的传统和技巧传授给下一代实践者。
学生私下对艺术的每一分元素进行推敲，在自身建立起生理和心理上的途径，通过每天的练习不断强化这一途径。
我们知道运动员会使用类固醇类的药物提高比赛成绩，在音乐界，我们也面临类似的难题。
就是音乐家过度使用B受体阻滞剂以减缓压力。
对大多数音乐家而言，学音乐的过程缓慢，循规蹈矩，全凭自觉。
根据表演水平能力的微妙提高来衡量进步尺度。
培养以音乐为生的严肃艺术家是个神秘的过程，乃至我发现最近自己在演讲中，提到茱莉亚学院培养非计算机辅助的人用声学仪器在公众表演“非合成”
的声音。
因此，在表演艺术学院营造一个支持艺术家与现代社会不脱节的环境极具挑战性。
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